疫情封鎖至今，人們外出聚餐、出門上班皆備受限制的狀態下，「儀式感」ㄧ詞大量地被應用著，形容著許多企圖透過「美感」、「美觀」來增添新意的事物。然而，藝術作品呈現給觀眾的方式，真的只是為了美觀而背後毫無意義嗎？
林怡君，燃燒的石頭：熱檔案，2021，單頻道影像，6′ 36, Courtesy of the artist and 本事藝術 Solid Art
在本事藝術日前不久甫開展就遇上疫情被迫閉館的展覽「煉身史」中，走進展場的首個展場，便是一個放置1件錄像作品、以及2台暖氣機的空間。展現十足效力的暖氣機、以及區隔展間的特殊門簾，讓人了解到，當視覺影像加上真實的體感溫度時，藝術作品所帶給觀眾的不僅僅只是「觀看」而已。換言之，藝術家並非只是為了創造達美學標準的現場而如此大費周章，正如大多數的藝術作品，之所以會「這樣擺」，背後都是有原因的，並非只是為了「美感」、「美觀」而已。
「煉身史」，其實是本事藝術「掘」(Mine) 計畫的首個項目。展出藝術家，各自以蔗糖、硫磺與珊瑚三個與台灣歷史發展密切相連的物質切入，挖掘藏於平地、山海之間綿延的自然地景皺褶之下，與產業資源分配相互交織的文化記憶，由三位台灣年輕藝術家林怡君（Lin Yi-Chun） 、張致中（Chang Chih-Chung） 、羅懿君（Lo Yi-Chun）呈現。
當源於自然的寶藏在煉金過程的形變與轉化，持續牽引著人類將之推往分裂、脆弱與對立的生命政治情境，藝術家作為知識份子，關照勞動歷史的思考切入與實踐，或許就是試圖在動態拉扯的過程中找到錨定點，用想像 (或是勞作) 反轉生活。
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崔廣宇「二〇一〇極地日誌：錯誤的冰塊」,Courtesy of the artist and Moca Taipei
眾所皆知地，錄像作品呈現方式通常是透過螢幕來展現其內容。然而，近期於台北當代藝術館展出的「歷史・當代」，當中多件錄像作品呈現的方式，並非典型所看到的將螢幕掛於牆上。例如知名錄像藝術家崔廣宇的作品，隨著地上的動態投影，其作品「二〇一〇極地日誌：錯誤的冰塊」散落在展場中央，這樣的設置，並非只為了創造特殊體驗而毫無原因。
「歷史・當代」為當代館二十週年系列展覽的第一檔展覽，由陳貺怡擔任策展人，展名以回顧2001年開館迄今的歷史而命名，但展覽的主軸圍繞在當代藝術的時間性（temporality），以及當我們試圖歷史化當代藝術時，「歷史」與「當代」兩個概念之間的矛盾與悖論。所講述的正是：「當當代成為歷史，而我們仍身處其中。」
王俊傑「若絲計畫：冷漠的賽拉薇」,Courtesy of the artist and Moca Taipei
座落在台北市市中心的當代館，自2006年開闢的展覽空間「MoCA Studio」已累積超過百場的展覽。策展人陳貺怡再次匯聚曾於MoCA Studio展出過的藝術家，邀請不同世代的藝術家陳建北、王俊傑、崔廣宇、徐薇蕙和邱承宏舊地重遊，產生了跨越世代的、觀點與角度各異的呼應與對話。
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MoCA Taipei 20週年！「歷史・當代」 Chrono-contemporary
《 Miriam Cahn LEIB/BODY 米里亞姆．卡恩個展》at WinSing Art Place 文心藝所, Courtesy of 文心藝術基金會 Winsing Arts Foundation
想像身在一個滿是平面繪畫作品的展場裡，而作品的擺放方式卻非傳統地逐一平掛於牆上？如前所述地，這往往與藝術家透過作品中傳達的思想有關。
據說，在創作時 Miriam Cahn 會將紙張放在地上，運用身體各種姿態像是表演的方式在紙上作畫、甚至會蒙上眼睛，讓自我情緒恣意發展，她將炭筆磨成鬆散的粉塵，直接用炭粉、炭條與身體作畫，作品中經常可以看到作畫過程中留下的指紋痕跡。以她的黑白繪畫作品為例，在文心藝所呈現的展覽裡，部分黑白作品依序地高高懸掛於整個展場正中央、另一部份則是雙雙地平擺在地上。
《 Miriam Cahn LEIB/BODY 米里亞姆．卡恩個展》at WinSing Art Place 文心藝所, Courtesy of 文心藝術基金會 Winsing Arts Foundation
那是 Miriam Cahn 在1970年代晚期到1980年代的系列創作，對她來說，選擇以黑白繪畫創作是一個帶有女性主義的政治行為，取代當時以男性為主導的油畫。「憤怒，藝術創作非常好的原動力。」(Anger is a very good motor for art.)
文心藝術基金會將於本年度推出三檔女性藝術家個展，著墨於女性在當代藝術中獨特的論點及藝術表現型式。第一檔即推出擁有強烈視覺刺激的繪畫家 Miriam Cahn 米里亞姆．卡恩，以繪畫的模式審視人體肉身與世界的關係。為了展出更多系列的作品，本次展覽更是邀請 7位收藏家出借收藏。然而，在疫情無預警到來之下，文心藝所經歷暫時閉館後，展覽現已結束。希望你是曾經有幸親自造訪過這個展覽的一員。
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Miriam Cahn LEIB/BODY 米里亞姆．卡恩個展
“SOLO” by Yuko Mohri in Project Fulfill Art Space 毛利悠子全新個展「SOLO」於就在藝術空間, Courtesy of the artist and Project Fulfill Art Space
想像你在一個展場裡，眼前是一個透過裝置傳出聲音的作品擺放在展場正中央。然而，這樣擺只是為了好看嗎？為什麼一定要實體呈現？這跟把聲音變成音檔放在耳機裡聽有什麼不一樣嗎？
毛利悠子於2019年末構思出《Solo》（獨奏）這件作品，旋即人們因新型冠狀病毒肺炎蔓延全球而無法自由旅行。她原先打算創造一套能夠與活躍、健談的舞者、詩人，以及其他表演者協作的鋼琴系統，但卻發現自己身陷新型冠狀病毒肺炎肆虐的世界，人與人之間必須嚴格保持適當的距離。於是，她決定遠離塵囂到了棲居於琵琶湖畔（據說是世界上最古老的湖泊之一），爾後透過鋼琴裝置作品，將大自然的聲音轉化成即興獨奏。
“SOLO” by Yuko Mohri in Project Fulfill Art Space 毛利悠子全新個展「SOLO」於就在藝術空間, Courtesy of the artist and Project Fulfill Art Space
除了在展場播放的預錄自然環境聲響，她另外設置了兩支麥克風用來接收展覽現場的聲音。這套MIDI鋼琴自動演奏系統與麥克風連結，把麥克風所收到的聲音轉換成全新的即興演奏曲。這件裝置作品無法全然複製這些聲音的音準，而是從中選取聲音頻譜，保持不精確、與時滯。
毛利悠子這次的新作品系列，不僅是在如此充滿意外地狀況下啟發和塑造的，同時，這也是就在藝術自創辦以來第一個遠端策劃的展覽。透過精緻的鋼琴，傳出不精準的聲音，彷彿昭示著：在疫情之下我們如何面對日常，並能夠在現實中發掘出幽默和美好呢？
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SOLO: Yuko Mohri 「獨奏」毛利悠子個展
《塩田千春：顫動的靈魂》展覽現場畫面, 圖/ 台北市立美術館提供
倘若未曾身在其中，你要如何憑空想像大型裝置作品帶給人的近距離空間感受？日前於北美館開幕不久的《塩田千春：顫動的靈魂》，正是一個近乎沈浸式、包含多個大型空間裝置作品的展覽。
塩田千春（Shiota Chiharu）的藝術實踐始終與其自身生命經驗緊密扣合，捕捉身體感知與心理狀態的隱微牽動，以其細膩感性的體察遊走於創作媒材的邊界。正如其作品《不確定的旅程》（Uncertain Journey, 2016/2021），以滿佈300平方公尺空間、糾纏交織的紅線表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界，如此呈現並非只是與「美感」有關而已。
《塩田千春：顫動的靈魂》展覽現場畫面, 圖/ 台北市立美術館提供
換言之，感受她作品的同時，觀眾需要透過親自身在其中，透過藝術家在空間裡呈現的擁擠、紛亂縝密的空間體感來感受作品思想。此並非僅僅透過照片「觀看」其展覽現場模樣，便能有所共感的。
塩田的作品以具現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜而著稱，她探詢普世問題如身分認同、界線、與存在等，觸動觀者深層的情感，使來自世界各地的人皆為之著迷。本次展覽以她最為人所知，無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點，企圖牽引觀者穿越無以名狀的雜緒念想，在她織羅出的維度中展開身心靈的旅程。《塩田千春：顫動的靈魂》，是由日本東京森美術館（Mori Art Museum）館長片岡真實（Mami Kataoka）策劃，為國際知名藝術家塩田千春（Shiota Chiharu）創作生涯至今最大型且全面性的展覽。
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《塩田千春：顫動的靈魂》 Shiota Chiharu: he Soul Trembles
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